芥川也寸志 交響三章：伊福部の大和魂を越えて行け2009-11-22 Sun 19:51
芥川也寸志 交響三章 僕は邦人作曲家の作品が大好きだ。 以前フィンランディアのところでも書いたが、邦人作曲家の作品の多くには、芸術性ではない「何か」があり、音楽を聴いてそれを最も感じることができるのが日本人だし、またそういう曲こそが真の名曲だと思っている。 今まで取り上げてきた邦人は、伊福部、松平、橋本だが、これには少なからず訳があって、それは芥川の交響三章を紹介するためだ。 芥川也寸志は、かの芥川龍之介の息子で、日本クラシック界きってのダンディな容姿、テレビも欲しがる巧みなトーク、二世は伊達じゃない文筆の上手さ、となんだかすごい人である。 この交響三章は、割と初期の作品である。 一度聴いただけで僕はこの作品の虜になり、さらに他の作曲家の曲を聴くにつれ、どんどんこの曲の良さが深まっていった。 芥川が傾倒していたストラヴィンスキーのような前衛的なソビエト音楽の持つ、強烈なリズムとオスティナート。 師・伊福部の音楽のような躍動する「大和魂」、師・橋本の持ち味である抒情的な「こころ」の旋律美。 芥川の中にあった芸術への思いは、それらを纏め上げるという形で表現される。 芸術は常に変化し続けている。 進歩ととるか、退廃ととるか、それは人それぞれだが、色々な形で過去を取り込んで、歴史を作っているのは確かだ。 多くの芸術家が自分の芸術を突き詰め、それを創り出して来ているし、その創り出されたものを模倣し、改変し、やがて超越していく。 自身の経験した音楽を、自身の芸術性をもって、新しい芸術として生みだすこと、それは進歩と思いたいものだ。 そう思わせてくれるのが、この芥川の交響三章だ。 １楽章のリズムはストラヴィンスキーを思わせる。だがそれはソビエトの空気ではない。聴衆は日本の、芥川の空気に包まれる。 ２楽章の旋律は、日本人の心を打つ、哀愁と郷愁を湛えた和の調べ。 ファゴットで、オーボエで、弦楽で奏でられるその子守唄は、伊福部の影が見え隠れするものの、そんなことはどうでもよいような、圧倒的な美しさ。 僕はこの楽章を聴いていてふと、「あ、伊福部を越えたのかもしれない…」と思ったことがある。それは良し悪しの話ではなく、歴史の中の芸術の話だ。 そう思ったとき、３楽章を聴いてその感覚は確信に変わった。 執拗なオスティナート、魂を持って躍動し、邁進し、こころから歌う抒情的な旋律、その得も言われぬ美しさ！ それは他の何でもない、芥川が悩み、考え、構築した「芥川の芸術」には違いないだろう。 だが、そんな高尚な話ではないような気もした。もっともっと単純で、真っ直ぐな感覚。 涙が出るほど心に入り込んで鳴りやまない音楽だと思ったし、日本人でよかったとも思った。 この後芥川の音楽は、前衛に走ったりまた戻ったりと様変わりする。 「交響三章」は、他作曲家の影響や芥川初期の作品という位置づけからもわかるように、若かりし彼の芸術との格闘を表したものである。 いわゆる芸術性としては、彼の作品の中では未熟な方である。それは間違いない。後期の作品を聴けば、その洗練さがわかる。 だが、今のテーマはそこではない。 この音楽の持つ「何か」は、「芸術」といった些細な観念さえ凌駕するような力を携えている。 そう思うのは僕だけだろうか。少なくとも、僕が日本人でなければ、そうは思わなかっただろう。  |
橋本國彦 交響組曲「天女と漁夫」：こころの音楽2009-11-14 Sat 10:19
橋本國彦 交響組曲「天女と漁夫」 彼の下に学んだ日本の音楽家を挙げれば、芥川也寸志、朝比奈隆、團伊玖磨、矢代秋雄と大物が枚挙に暇がない。 1904年に東京で生まれた橋本は、クラシックだけでなく、ＣＭ曲や歌謡曲など、ポピュラー音楽にも力を入れた作曲家である。 有名なものとしてはラジオ歌謡から生まれた「朝はどこから」がある。「あーさはどーこからくるかしらー」である。 44歳の若さで亡くなるまで、日本の音楽界を引っ張ってきたと言っても過言ではない。 幅広いジャンルの音楽で多くの功績を残すことができたのは、彼の作る抒情的で美しい旋律が魅力的だからというのももちろんだが、彼が用いるドビュッシー・ラヴェルのような印象派的手法の巧みさ、芸術的な完成度の高さも理由だろう。 彼は日本のバレエのためにも大きく貢献した。 この「天女と漁夫」も日本の舞踊家、花柳寿美の委嘱で作られた作品である。 いわゆる「羽衣伝説」のシナリオにのっとっており、「序奏」「黎明」「漁夫たちの踊り」「漁夫の独舞」「漁夫と天女の踊り」「天女の舞」「天女の昇天」が組曲として再構成されたものが、この作品である。 漁夫の舞に、天女の舞、それぞれ上手く雰囲気が作られているし、天女が天へと登っていくフィナーレも、非常に盛り上がり、バレエ音楽としても組曲としても完成度の高い作品といえるだろう。 そして何よりこの作品は、非常に落ち着いて聴ける、というのが大きな特徴だ。 近代フランス音楽の手法、特にデュカスのそれのようなものが、この曲から感じられる。 ある種重々しい日本の伝統音楽の趣が、軽妙なフランス風を用いて、実にまろやかな口当たりに仕上がっている。 抒情感豊かでありながら、実にスマートな旋律美。 それは日本の歌と近代フランス技法の出会いもあるが、何より彼の音楽への思いが成せるものだ。 ある逸話によると、クラシック・歌謡曲と幅広い音楽を生み出した彼にとって、音楽とは「大衆が求め、喜んでくれる」ものだったようだ。 誰もが親しめ、喜べる音楽。わかりやすい題材、わかりやすい旋律に光る、巧みな音楽技法。 当時の日本人にとっても、この曲は本当に聴きやすかったに違いない。 |
モーツァルト 歌劇「魔笛」：歴史的ポップスとライヴ2009-11-10 Tue 18:21
モーツァルト 歌劇「魔笛」 「ボクノオンガク」記念すべき第100回目のエントリー、歌劇「魔笛」は、言わずと知れたモーツァルトの残した最後のオペラである。 モーツァルトの亡くなった1791年の作品で、晩年金策に明け暮れていた彼に、劇団の興行師で自身も俳優のシカネーダーが、自身の台本で彼に作曲を依頼したものだ。 モーツァルトとシカネーダーはザルツブルク時代の友人であり、宮廷で演ぜられるヘンデルらのイタリア語のオペラが一般的だった当時のドイツで、「ドイツの人々のための、ドイツ語による作品を！」と結託し、この作品が作られた。 その明快な旋律と子供にもわかるおとぎ話のようなストーリーは世界中で愛され、オペラ初心者にはもってこいの作品だろう。 何より、この作品は楽しい。 当時のドイツの一般人にも、宮廷人にも、現代に生きる我々にも、その楽しさは変わらずに伝わる。 「音楽の楽しさ」こそ、このオペラの主題の１つであろう「音楽の力」に、大きく関わっているものに違いない。 この曲がなぜこれほど楽しいのかというと、これは音楽芸術というより、もはや現代のミュージカル、さらに言えばポップスのような作品だからだ。 オペラ＝総合芸術という概念は、ひとまず置いておいて、この作品の楽しさをもっと軽い視点で見てみよう。 まず第１幕パパゲーノのアリア「私は鳥刺し（Der Vogelfänger bin ich ja）」、いかにもモーツァルトくさい（あえて「くさい」と言わせてもらう。恐らくモーツァルト嫌いな人はここが一番いやなのだろうから…）僕が最も好きな曲だが、序盤から愉快極まりない。 本当に愉快な旋律を、パパゲーノがパンフルートを持って踊りながら３回歌うのだが、自筆譜には３番の歌詞が書かれていないという。 初演でパパゲーノを演じたのはシカネーダー本人なのだが、恐らくここは彼のユーモアをきかせた即興で、聴衆を楽しませていたのだろう。 例えば僕がパパゲーノなら、そう、明日の日本公演では「やあやあ私は鳩刺し稼業（Der Taubefänger bin ich ja）…」などとね。 同じくパパゲーノ、映画「アマデウス」の衝撃シーンでおなじみ、第２幕のアリア「可愛い娘か女房か（Ein Mädchen oder Weibchen wünscht Papageno sich!）」もそうだろう。 もし明日の公演が夜なら…おっとこの辺にしておこうか。 「魔笛」で忘れてならないのは、やはり夜の女王のアリアだ。 第２幕「復讐は地獄のように（Der Hölle Rache kocht in meinem Herzen）」で、フルート音域を強いられる超絶技巧のコロラトゥーラ・ソプラノは、これ単独でもよく知られる曲だ。 「魔笛」を観るのはこれを聴きに行くためだと言っても過言ではないだろう。 超絶技巧を生で見る楽しみ、これはいまやクラシック音楽の枠を超えた「ライブ」の楽しみの一つだ。 夜の女王が舞台に現れたとき、特に第２幕のこのアリアの前は、客席の空気が一瞬で張り詰める。 その空気を裂いて夜の女王の声が響き渡るときの感動はひとしおだ。 “魔笛”の音には猛獣たちも踊り出す。人も動物も、生あるものの魂を揺さぶる音楽の力、その象徴が「魔笛」だ。 魔笛はその楽しさをもって、人々の心に様々な作用をもたらす。 1791年、フランス革命の２年後のことである。激動のヨーロッパにおける大衆のエンターテイメント。 フリーメイソンの思想も確かに見られるし、「愛が大切」「徳を持て」と、やや説教的というか、啓蒙的でもある。 だが思えば、「愛」「自由」「平等」などのテーマで、大衆を啓蒙していたのは、いつの時代もポップスではなかったか。 その楽しさで何かテーマを大衆に訴え、人々を集わせ、ライブ・パフォーマンスで魅せる。 オペラがオペラとしての芸術であるということの前に、「魔笛」はポップスとしての歴史を持っている。 魔笛はもちろん芸術として素晴らしいものだが、音楽が「芸術」の範疇に止まらないからこそ持っている音楽の力というのもあるのだろう。 |
ラモー 組曲二短調：標題と楽しさ2009-11-04 Wed 01:11  崎川晶子：クラヴサンの魅力ラモー 組曲二短調 ジャン＝フィリップ・ラモーは、バッハやヘンデルと同時代の、フランスの作曲家である。 クープランと並びフランスのバロック時代を代表する作曲家で、ヴェルサイユ宮廷のために多くのオペラを書いたことで知られる。 彼は教会でオルガン奏者を務めていた父から鍵盤の手ほどきを受け、彼自身もまた教会でオルガン奏者として活躍していた。 現在でも名高い彼のオペラ作品の楽曲は、彼のクラウザン（ハープシコード）作品の楽曲を基にしているものも多い。 「一つ目巨人」「めんどり」「タンブラン」などの小品は、日本でもピアノ曲として人気のある作品だ。 この二短調の組曲が収められているのは1724年に出版された、クラウザン曲集の第２集で、これの他にホ長調のものがある。 ホ長調のものが一般的な舞曲であるのと異なり、二短調のものには標題が与えられているものが多い。 全部で10曲あるのだが、いくつか抜粋して紹介しよう。 第１曲の Les tendres plaintes は、「恋の嘆き」とも「やさしい訴え」とも訳される、情感たっぷりのロンドだ。 切なくも愛しいこの歌は、後にオペラ「ゾロアストル」に転用された。 第５曲の La follette 「いたずら好き」は、その名の通り、いたずら好きな可愛らしい妖精の様子を表すロンド。 トリルの使用と和声の運びが、憎めない雰囲気で心地よい。 第６曲の L'entretien des muses は「ムーサ達の対話」は、よく似た二声の音楽であたかも対話するかのように表現されている。 ラモーは音楽理論家としても有名であり、彼の音楽はそういう意味で精巧に出来ている。 第７曲の Les tourbillons 「つむじ風」は最も標題音楽らしい、ラモーの感性が光る作品。 嵐に舞い上がる塵を表現したロンドで、鍵盤を縦横無尽に走り回る風は、両手を交互に弾く「ルルマン」が使われて表される。 第８曲の Les cyclopes 「キュクロプスたち」は、作曲技法的にも一風変わった作品で、ギリシア神話に登場する一眼の巨人「キュクロプス」をモチーフにしたロンドだ。 分散和音が高音と低音を行ったり来たりして、巨人が鎚を打つ様子を表したり、せわしなく動く音階で生き生きとした巨人の様子を描いている。 ラモーの作品には、同じフランス・バロックの作曲家クープランのような繊細さや美しい旋律、音と音の連なり、と言ったものはあまりない。 むしろ理論に基づいた和音の配置や運び、そしてダイナミックな描写と動きで人々の心をとらえるものだ。 フランス音楽、バロック音楽というとどうも高尚な雰囲気ばかり先走るが、ラモーのこの組曲は、バロックの気品と親しみやすさを兼ね備えた、優しく、楽しい芸術だ。 |
チャイコフスキー 弦楽六重奏曲「フィレンツェの思い出」：思い出とは？2009-10-31 Sat 08:44
チャイコフスキー 弦楽六重奏曲「フィレンツェの思い出」作品７０ この作品の初稿が完成したのが1890年、さらに最終的な完成は1892年、その翌年にチャイコフスキーは亡くなっているので、彼の最晩年の作品だ。 弦楽六重奏曲という変わった編成はあまり数の多いものではなく、ブラームスのそれが有名だが、チャイコフスキーの室内楽の中ではこの六重奏が名高い。 彼がこの作品を手掛けたのは、歌劇「スペードの女王」を作曲するためにフィレンツェに滞在していた時のことである。 彼のフィレンツェ滞在はこれで７度目であり、この思い出（Souvenir）という言葉には一層深いものを感じずにはいられない。 室内楽については非常に寡作だったチャイコフスキーだが、室内楽を苦手としていたとも思いがたい完成度の高さを誇る。 ２本のヴァイオリン、２本のヴィオラ、２本のチェロという特異な編成に、やや古典的な楽曲構成、そしてほとんどイタリアっぽさを感じない曲調、それら全てがこの曲の魅力をどこまでも引き出す。 また、これは晩年のチャイコフスキーが音楽に詰め込んだ、彼自身の人生における様々な情景や幸福な時間の追憶でもあるということ、そこにこの曲の一番のときめきを感じる。 １楽章の冒頭から彼の感情はすでに溢れているようで、最初からクライマックスとはこのことだ。 ソナタ形式だが、聴きどころはコーダだろう。煽るようなこのテンションの上昇はチャイコを聴く喜びの１つだと思う。 緩徐楽章の２楽章、最もイタリア寄りの部分でもある。 ピッツィカートの伴奏に乗って流れ、交わり合い、そして纏まる旋律の美しさ。これはチャイコフスキーの心に浮かぶ美しい日々そのものだろう。 ３楽章は間奏曲であり奇想曲でもあるような、素朴さと高いインスピレーションが混在する、ちょっと変わった、またそこが魅力的な楽章だ。 異国情緒（もはやイタリアなんてどこへやら）を感じるリズムの妙が楽しめる。 ４楽章は幾分イタリアンな雰囲気も持ち合わせているが、やはり貫いているのは濃厚なチャイコ節である。 魅惑の旋律と華麗な技巧・アンサンブルテクニックに息をのんでいる内に曲は結ぶ。 六重奏ならではの絶妙な絡み合い（１対５、３対３、６本の完全な独立、６本の一致した合奏などなど…）が、複雑で奥深い味わいをもたらすのはもちろん、晩年のチャイコフスキーの優れた創作力が、その複雑さと単純な旋律美をうまく調和させたのは言うまでもない。 添えられた副題“Souvenir de Florence”が意味するのは、彼の人生の総決算とも言えるような、心の奥で何時までも輝き続けるものへの追憶のように思う。 チャイコフスキーが音楽に詰め込んだ時間を遡る想いは、名演を通じてきっと何時までも光を放ち続けるのだろう。 |
